Пленэр – (франц. – открытый воздух)- термин, обозначающий передачу в картине всего богатства изменений цвета, обусловленных воздействием солнечного света и окружающей атмосферы.

Пленэрная живопись сложилась в результате работы художников на открытом воздухе (а не в мастерской), на основе непосредственного изучения натуры в условиях естественного освещения, с целью возможно более полного воспроизведения её реального облика. Некоторые моменты, предвосхищающие появление пленэрной живописи, можно проследить в творчестве мастеров итальянского Возрождения и художников 17 в.

Однако по существу принципы пленэрной живописи получили распространение в 1 половине 19 в. (Дж. Констебл – Великобритания, А.А. Иванов – Россия). Наиболее полное воплощение принципы пленэра нашли во 2 пол. 19 в. (термин начинает широко употребляться) в творчестве мастеров импрессионизма – К.Моне, К.Писсаро, О. Ренуара и др., а также в русской пейзажной живописи 2 пол. 19-ная. 20 вв. (В.Д.Поленов, И.И. Левитан, В.А. Серов, К.А. Коровин, И.Э. Грабарь).

Нельзя не отметить, что, выйдя из мастерской на пленэр, сам художник попадает в особые условия. Ведь и на его палитру и этюд тоже проникают рефлексы, что значи­тельно затрудняет поиски достоверно­го цвета.

Это необходимо учитывать при выборе места для работы на воздухе. Если нельзя найти надежное укрытие, художники берут с собой особый зонт, защищающий их от рефлексов голубо­го неба и солнечных лучей.

Непривычные просторы изображаемого пространства, обилие света, большая удаленность объектов природы от глаз наблюдателя, новые условия работы обычно увлекают и одновременно пугают впервые попавшего на пейзажные этюды начинающего живописца. Поначалу трудно охватить взглядом глубину пространства, увидеть цвета предметов и объектов, измененных расстоянием, силой и состоянием освещения. Трудности первых опытов работы на пле­нэре усугубляются быстрой сменой освещения (то яркое солнце, то набежавшие от туч тени), различным состоянием погоды в течение суток (утром, днем, вечером) или в разные времена года.

Передача цветовых отношений объектов природы с учетом тонового и цветового состояния освещенности является основой живописи пейзажа. Предстоит решить цветовую основу, на которой в процессе написания этюда строятся конкретные отношения между деталями пейзажа.

Приспособление для работы на воздухе. Для хранения и переноса красок, кистей, палитры нужно приобрести или сделать самим деревянный ящик, называемый этюдником. Этюдники бывают двух видов (рис. 100): для акварели -легкий плоский деревянный ящик с акрилатовой палитрой, кассетами для красочных смесей и другими принадлежностями; или «комбайн»-универсальный этюдник с раздвижными ножками, который можно использовать для работы на воздухе (на пленэре) и для работы в мастерской.

Для работы на природе полезным будет и складной легкий стульчик, так как не всегда приходится работать стоя. Имея пере­носной стульчик, легче организовать рабочее место. При желании можно самим изготовить приспособление для работы на пленэре: папки и сшитые из парусины сумки с карманами для красок, кистей, фляги с водой и других вещей.

Приступая к пейзажному этюду, следует прежде всего позабо­титься о выборе наилучшей точки наблюдения, с которой весь будущий пейзаж воспринимается цельно, смотрится выразительно, когда четко определяются пространственные планы. Если в компо­зиции этюда мы хотим показать деревья целиком, то надо находить­ся от них на достаточном удалении (не менее чем две-три величины объекта изображения по большей стороне).

Рамка-видоискатель, вырезанная из бумаги, поможет найти композиционное решение в соответствии с замыслом и конкретной задачей. Чтобы этюд был хорошо скомпонован, надо сосредоточить внимание только на том, что составляет основу, главный сюжет изображения, отказавшись от всего второстепенного, остающегося за рамкой видоискателя.

Одна из главных композиционных задач - с самого начала определить на плоскости этюда крупные соотношения земли и неба. Все элементы пейзажа в дальнейшем будут строиться в зависимости от положения линии горизонта (находящейся на уровне наших глаз). Горизонт не должен делить картинную плоскость горизонтальной линией на две равные части. Этюд смотрится интереснее, когда на нем показано либо больше неба, либо больше земли, а не их пропорциональное равенство. Симметрия делает композицию не­выразительной и скучной.

Цветовые отношения между отдельными объектами, участками, и планами видимой натуры, правильная передача общего цветового состояния природы зависят от освещения. Освещение в пейзаже (в солнечный яркий день-яркие, светлые краски палитры, в пас­мурный день - темные, малонасыщенные цвета) во многом опре­деляет успех построения эмоционально-выразительного пейзаж­ного этюда. Решение больших цветовых отношений должно обяза­тельно вестись с учетом различного состояния освещенности, днев­ного, вечернего и т.д.

На начальной стадии обучения необходимо научиться чувство­вать роль воздушной перспективы и освещения (например, стволы берез на закате солнца окрашены в оранжево-красные оттенки), выработать способность замечать не предметные цвета, а обуслов­ленные освещением и удаленностью, т.е. измененные, цвета пред­метов.

На природе, где цвета предметов меняются в зависимости от освещения, нужно определить, в каких пределах должны быть построены цветовые отношения. Если по неопытности не задаться такими параметрами, придется все время переписывать начатый этюд, например в случае, если солнечная погода сменилась пасмур­ной.

Работая на пленэре, следует устанавливать пропорциональное различие цветов, перспективное изменение обусловленного цвета на разных планах, одновременно держа их в поле зрения (первый - ближней, средний - второй и дальний -задний). Хотя объекты пейзажа и расположены на разных планах, их можно сравнивать и устанавливать существующие между ними отношения. Например, зеленая трава на переднем плане воспринимается более теплой по тону, чем та же трава на среднем и тем более на заднем плане.

В пейзажном этюде необходимо начинать писать с целого, а не с деталей, следуя принципу: от общего -к деталям, с последующим обобщением. Вначале прокладывают общие цветовые пятна, а затем, когда большие цветовые отношения установлены, переходят к проработке деталей. В первоначальных коротких этюдах на пленэре (продолжительностью от 30 минут до одного часа) рисовальщик ставит себе определенную задачу: выработать метод работы цвето­выми отношениями при цельности восприятия натуры. В таких этюдах выстраивают отношения между цветом неба, земли, пере дним, средним и дальним планами. Полезно вначале в качестве сюжета выбирать мотивы с ограниченным замкнутым пространст­вом (например, двор с его растительностью и частью строений).

Если вы успешно справились с задачей, можно переходить к более открытым пространствам, имеющим несколько планов (на­пример, берег реки с ясно выраженным передним планом - дере­вом, кустом, строением и т.д.). На выполнение второго вида этюда отводится от 2 до 3 часов. Здесь помимо основной задачи, заклю­чающейся в передаче основных цветовых отношений, с учетом воздушной перспективы и состояния освещения, потребуется дать пространственное решение и проработку деталей переднего плана. Определяя цветового состояние пейзажа, нужно найти основные отношения между цветом неба, земли, воды, а также обобщенных масс растительности (строении).

Решив композицию будущего этюда в первоначальном набро­ске, намечаем на рабочем листе карандашом или сразу кистью главные части пейзажного мотива и пропорции больших масс. Уточняем месторасположение отдельных элементов пейзажа в со­ответствии с пространственными планами, в пределах которых они находятся, в подмалевке одним цветом. С использованием светотени очень обобщенно определяем основные тональные отношения крупных частей пейзажа.

Далее переходим к работе в цвете с учетом общего освещения: утреннее солнце придает общему цветовому строю пейзажа, включая все объекты изображения, хорошо воспринимаемый желто-розовый оттенок, дневное солнце-золотистый, вечернее-оранжеватые или красноватые оттенки. Мягкий рассеянный свет пасмурного дня больше всего проявляет предметный (собственный) цвет объектов изображения.

В изображении пространства в пейзаже большую роль играет проработка формы живописных объектов, находящихся на различ­ных пространственных планах. Чтобы передать глубину в пейзаже, более конкретно прописывают формы предметов или объекты переднего плана. На передних планах отчетливее проступают соб­ственные цвета предметов, здесь они выглядят объемнее, насыщен­нее, с контрастной светотенью. При решении дальних планов нужно учитывать законы воздушной перспективы. По мере удаления от зрителя формы предметов теряют объемность и приобретают упро­щенный, силуэтный характер, ослабевает их насыщенность - цвета становятся обусловленными воздушной средой и зависят от степени удаления от зрителя.

С ростом мастерства появляется возможность обогатить палитру чрезвычайно богатыми красками природы, нюансировкой цветов растительного мира, передачей самых разнообразных настроений.

Что касается подготовки к работе на пленэре, то здесь важно предусмотреть на первый взгляд не очень важные детали.

Так, не следует в яркий солнечный день надевать насыщенную цветом одежду - она помешает, так как будет отбрасывать сильные по цвету рефлексы на палитру и картинную плоскость. Если вы устроились в тени деревьев, помните, что зеленый отсвет листвы повлияет на вашу работу. Чтобы не слепили лучи солнца, лучше писать, находясь под защитой локального цвета зонта, или носить головной убор с козырьком. Отправляясь на этюды, берите краску с запасом, особенно для пейзажей, в мотиве которых присутствуют земля, вода и небо. Если вам удастся подобрать три основных цвета из имеющихся красок и в нужном количестве, они помогут устано­вить цветовое единство пейзажа и избежать чрезмерного расцвечи­вания этюда. Работая акварелью, позаботьтесь о запасе воды во фляге.

Над пейзажем можно работать в любое время года.

фр. plein air, букв. – открытый воздух) – 1) paбота художника с натуры непосредственно под открытым небом, с учетом воздушных и световых явлений; 2)живопись на открытом воздухе (вне мастерской), связанная с изучением пленэрных эффектов. Термин обычно употребляется по отношению ко всякому изображению на открытом воздухе.

Отличное определение

Неполное определение ↓

ПЛЕНЭР

франц. plein air – открытый воздух), живопись, создаваемая на природе, под открытым небом. Только работая на пленэре, можно живо и полно передать особенности естественного освещения и световоздушную среду. Еще в нач. 19 в. английский художник Д. Констебл писал пейзажные этюды с натуры, пытаясь передать в них изменения погоды и атмосферы, но картины писались в мастерской. В сер. 19 в. на открытом воздухе работали мастера барбизонской школы и К. Коро.

По-настоящему открыли пленэрную живопись французские импрессионисты (К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей и др.). В 1891 г. К. Моне вступает на пленэре в соревнование с природой. Он создает серию «Тополя» на берегу реки Эпт, работая одновременно на нескольких мольбертах, стремясь запечатлеть оттенки цвета и освещения, непрестанно меняющиеся в зависимости от времени суток и погоды. Художник пишет этюды-картины, состязаясь в скорости с самим светом: хрупкие дрожащие в золотистой утренней дымке и грозно вздымающиеся на фоне всполохов закатного неба деревья.

В России во второй пол. 19 – нач. 20 в. работали на пленэре В. А. Серов, В. Д. Поленов, И. И. Левитан, К. А. Коровин, И. Э. Грабарь и многие др. Левитан запечатлел в картине «Март» радостное пробуждение природы от зимнего сна. На ноздреватом мартовском снегу лежат голубые, сиреневые и лиловые тени. Работая на пленэре, художник увидел и показал зрителям, что в свете яркого солнца тени теряют свой скучный темный цвет. Синее весеннее небо и яркое солнце окрашивают их в праздничные тона. Рефлексы (цветные отсветы) отраженного света и цвета проникают в тени сугробов, ложатся нежными бликами на снег возле крыльца.

В этой статье про пленэрное фото я постараюсь разрушить некоторые мифы, связанные с техникой съемки на открытом воздухе. Я дам определение понятию «пленэр». Затем мы раз и навсегда разберемся в верном написании этого слова. Вы узнаете о том, как выбрать время, место и предпочтительный ракурс. И стоит ли «париться» по поводу погоды?

Пленер или пленэр?

Какая же погода будет наиболее «правильной» для работы на пленэре? Наверное, лучше всего было бы фотографировать при небольшой облачности с проблесками солнца - не чрезмерно ярко, но и не пасмурно. В таких условиях мы получим достаточно контрастные и яркие фотографии. Однако я бы не стал так категорично утверждать, что нельзя сделать качественные и при ярком солнечном свете или в пасмурный день. Многое в этом случае зависит от места съемки и используемого дополнительного оборудования.

Пленэр фото. Когда снимать?

Разумеется, я согласен, что ранним утром и вечером до заката солнца - наиболее удачные условия для съемки , да и пейзажа тоже. Но не стоит так полагаться на конкретное время суток, потому что на разных широтах, в различных городах все меняется. Такие вещи, как время съемки весьма субъективны, а погода переменчива. Да и не всякий клиент готов встать в пять-шесть утра «ради искусства». Более того, я сам не готов. 🙂

В среде начинающих любителей фотографии бытует мнение, что съемка против солнца неправильна, ошибочна и т.д. Я возьму на себя смелость разрушить и этот миф. К вашему сведению, многие фотографы в яркий солнечный день предпочтут именно этот ракурс. И тому есть две причины.

Во-первых, снимать против солнца - это лучше, чем вставлять спички в глаза модели, которая будет щуриться от ослепительных лучей. Тени на лице и одежде будут чрезвычайно глубокими. Ситуацию можно постараться исправить в фотошопе , но… это не наш метод. 🙂

Следующее преимущество съемки против солнца - получение контрового света , выгодно отделяющего модель от окружающего фона. Такая фотография смотрится более профессионально. Используя в придачу или отражатель, достигаются потрясающие результаты.

Природу копировать не надо, но надо почувствовать ее суть и освободить от случайностей.

Исаак Левитан

Не все, конечно, но многие видели людей, рисующих с натуры в самых, кажется, неожиданных местах и в самых неудобных положениях — сидя в кафе и на улице, согнувшись на бордюрах или ступенях городских лестниц. Или с комфортом разместившихся со своим оборудованием на обочинах проселочных дорог и в полях, на лесных опушках и горных склонах, по излучинам рек и на морском берегу…

И всегда эти рисующие (карандашами и углем, линером и сангиной) и пишущие (маслом, акварелью и гуашью) привлекают внимание гуляющих и спешащих прохожих. Чем? Чудом, выходящим из-под руки рисовальщика, руки художника.

Творчество — всегда чудо. Объединяющее в себе мастерство и вдохновение, точные знания и внутренний порыв, эмоции. И совершается оно по-разному — в отдельной мастерской и общей студии, дома и на природе.

Так вот, такая работа под открытым небом — и есть пленэр.

Некоторые наши современники думают, что в нынешние времена окончательной победы цифровых изображений художники-пейзажисты работают исключительно по фотографии. А что, удобно же, и не надо обжигаться под палящим солнцем, мерзнуть в крепкие морозы, мокнуть под дождём... Что ж, есть и такие художники, есть и такие приёмы. Но не этим пейзажист живёт! Ведь исключительная точность передачи натуры средствами фотографии еще не является искусством живописи, и, в некотором роде, лишена авторского подхода. Фотоискусство совершенно иными средствами передает объём и ощущение пространства, по-другому выстраивает колорит и детальность. Именно излишняя детальность порой мешает увидеть главное.

Кроме этого, даже в самой маленькой живописной мастерской или студии всегда царит своя, особая атмосфера, выстроенная с помощью бокового и/или искусственного освещения. В природе же все не так, под открытым небом свет окутывает предметы со всех сторон сразу, меняя и тон и уж тем более цвет! Казалось бы, зачем так мучиться, ведь можно сфотографировать пейзаж и нарисовать все дома. Но не всё так просто. Любой художник ответит, что картины, нарисованные с плоской фотографии, сами будут выглядеть плоско. Но задача художника — создать ощущение пространства, передать некий дух места, его живое впечатление и обаяние. Для решения этой проблемы и существует пленэр, подразумевающий рисование на природе. Поэтому, несмотря на определенные неудобства, ни один стоящий мастер не откажется от возможности творить на натуре. Причем, объектом творчества может быть что угодно: растения и ландшафт, городские зарисовки, натюрморт и портрет под открытым небом, панорамы города и отдельные сооружения, небо и многое другое, что увидит внимательный и восхищенный взгляд художника. Но главным жанром, конечно, остается пейзаж во всём его многообразии.

Словарь извещает нас:

PLAIN air - фр. (букв. — открытый воздух) — paбота художника с натуры непосредственно под открытым небом, с учетом воздушных и световых явлений.

Большая Российская Энциклопедия даёт определение нужного понятия таким образом:

Пленэр — передача в живописи изменений и градаций цвета изображаемых объектов, которые обусловлены воздействием солнечного света окружающей атмосферы.

Пленэрная живопись сложилась в результате работы художников на открытом воздухе (а не в мастерской) на основе изучения натуры в условиях естественного освещения. Предметом её особого внимания становятся цветовые и световые рефлексы, тончайшие модуляции цвета, изменяющиеся в зависимости от природных условий, времени года и ли времени суток. Передача «воздушной» перспективы, изображение прозрачных теней.

Истоки пленэрной живописи (светлая гамма, чистые цвета, ощущение световоздушной среды и т.д.) можно найти в творчестве некоторых мастеров Возрождения (Пьетро де ла Франческа, ванн дер Гус) и художников XVII - XVIII вв. (пейзажи Веласкеса, Я.Вермеера, малых голландцев, и других. Однако, начало пленэризма как системы живописных приёмов связано с творчеством художников первой половины XIXв. (Р. Бонингтон и Дж. Констебл в Великобритании, Сильвестр Ф.Щедрин и А.А.Иванов в России). Приверженцами пленэра были мастера так называемой «Барбизонской школы», а также К.Коро. Наиболее полное воплощение принципы пленэра нашли в творчестве мастеров французского импрессионизма — К.Моне, К.Писсарро, О.Ренуара, А.Сислея. именно тогда термин «пленэр» получил широкое распространение. Позднее широко распространился во всех странах мира. В русской пейзажной живописи к пленэру много обращались В.Д.Поленов, И.И.Левитан, В.А.Серов, К.А. Коровин, И.Э.Грабарь, и другие.

С тех пор на пленэре работают все поколения художников, бережно передавая способы и приемы передачи деталей изображения от старших к младшим. Как и прежде, сегодня пленэры для художников — это очередная возможность набраться свежих, новых эстетических впечатлений, усовершенствовать свою технику, запечатлеть меняющуюся красоту скоротечного дня, перенеся её на холст. Главное — научиться рисовать быстро, пока свет не переменился.

Чаще всего на пленэре создают этюды и зарисовки, а не завершённые картины. Для многих художников пленэр — это не основное направление в творчестве, а лишь важный этап в создании завершённого произведения. Именно здесь, в коротких работах — этюдах, порой крохотных размеров, схватывают уникальные соотношения цвета и тона, передают то самое важное для этого места и времени, что потом ляжет в основу долгосрочного серьёзного вдумчивого процесса написания картины.

Рисовать на пленэре сложнее, чем в студии чисто технически. Погода может измениться в любой момент — бывает, ветер сдувает художественные принадлежности, насекомые мешают, а солнце довольно быстро меняет своё положение на небосклоне, кардинально изменяя освещение. Кроме этого, и сам художник попадает в необычные условия. Теперь на его палитру и на этюд падают и яркий солнечный свет, и рефлексы от неба, что усложняет задачи поиска верного цвета. Это нужно учитывать, выбирая места для работы на воздухе. Желательно укрыться от прямых солнечных лучей и рефлексов небесного голубого цвета, и когда естественных укрытий не предвидится, выручает зонт (как правило, из светлой, но достаточно плотной ткани).

Еще одной сложностью для начинающих становится обширность пространства, которая даёт обилие света, глубину перспективы и удалённость изображаемых предметов от глаз наблюдателя. Вместе с новыми условиями работы возникает необходимость охватить взглядом сразу большое пространство, верно увидеть цвета в связи с цветовой и тональной перспективой. Это сложная задача, которая увлекает и пугает новичков.

Работа на пленэре, как и другая работа над художественным произведением, включает в себя решение творческих, композиционных, тональных и цветовых задач. Кроме этого, существует и определённая последовательность ведения работы по принципам: от общего к частному, от большого к деталям, от главного ко второстепенному. От краткосрочных (от 30мин. до часа) и маленьких переходя к более длительным (2-3ч.) и более крупным по размерам этюдам. На первых порах определиться с композицией помогает видоискатель — бумажная рамка с вырезанным посередине прямоугольником. Она, вместе с этюдником (варианты исполнения которого вы можете увидеть в интернет-магазинах и в салонах товаров для художников) или пленэрным складным мольбертом-штативом, набором красок, палитрой и складным стульчиком, составляет основу пленэрного оборудования. Кое-что из вспомогательных вещей можно изготовить самим: например, папки, сшитые из плотной ткани специальные сумки или рюкзачки с карманами и отделениями для бумаги, красок, кистей, мастихинов, пластиковой бутылки с водой и прочего.

Итак, собираясь на пленэр, ещё раз вспомним, что важно не упустить из внимания. Кроме основных сборов надо предусмотреть детали, несущественные на первый взгляд. Например, не нужно одевать насыщенную по цвету одежду, т.к. она будет отбрасывать на картинную плоскость и палитру сильные цветовые рефлексы. Устраиваясь в тени лиственных деревьев, учитывайте зелёный отсвет, который повлияет на работу. Чтобы избежать ослепления солнцем, берите с собой зонт или кепку с козырьком. Выходя на этюды, берите с собой краску с запасом, особенно для мотивов с большими отношениями небо — вода — земля. При правильной работе 3-4 замеса помогут установить цветовое единство и избежать излишнего расцвечивания работы. Не забывайте позаботиться о запасе воды при работе акварелью. Одевайтесь по погоде.

Подводя итоги, скажем, что Пленэрная практика включена в программу всех учебных заведений, готовящих художников различных профилей — станковистов и прикладников, скульпторов и архитекторов, художников театра и кино.

На пленэр выходят ученики художественных школ и студий, дети и взрослые, профессионалы и любители, «матёрые» и начинающие.

Ведь счастье быть причастным к чуду творчества, как и способности и настоящий талант, даётся свыше. А пленэр, кроме всего прочего, даёт радость общения с природой, с единомышленниками, предоставляет возможность научиться новому. И это хорошо.

ART-KAFABELLA Творческие дачи в Крыму.

Де Буалье

Рисование с натуры – это всегда профессиональный творческий тренинг. В ходе этого тренинга активно развиваются наши глаза, мозг и рука. Глазами мы тренируем процесс восприятия. Мозг отвечает за процесс абстрагирования и визуального мышления – рисуя с натуры, мы способствуем его развитию в этой области. Рука же в этот момент развивает навык работы с материалом, учится более качественно и технично совершать изображение на картинной плоскости. Поэтому безусловен тот факт, что рисование природы с натуры резко повышает уровень творческого мастерства. В этой статье я хочу рассказать о том, чем полезны пленэры для художников, о выборе сюжета и основных технических приемах натурных зарисовок. Своими маленькими хитростями, позволяющими сделать живопись на открытом воздухе приятней и комфортней, я делюсь в другой своей статье:

Польза пленэрной практики

Рисование с натуры – это всегда профессиональный творческий тренинг. В этом процессе активно развиваются многие навыки, необходимые для художественной деятельности. Занятия на пленэре эффективно способствуют постановке глаза и руки, развивают визуальное мышление и образную память. О пользе рисования с натуры можно говорить бесконечно – обогащаются художественные знания, совершенствуется процесс работы с материалом, чувство цвета выходит на новый уровень. На пленэре художник не бездумно копирует увиденное, а осуществляет активную исследовательскую деятельность, внимательно изучает окружающий мир, подмечая самые тонкие изменения в нем. Благодаря этой практике происходит абсолютно новое видение цвета, форм, всего пространства вокруг. Перед взором открывается многообразие оттенков, и вот в привычном зеленом уже обнаруживается красный, фиолетовый, голубой… Задачей художника является грамотно рассказать об этом в своем произведении, изображая увиденное таким, какое оно было в данный момент.

Но среди этой бесценной практической пользы незримо существует ещё одна важная составляющая пленэрной практики – это тесный контакт с миром живой природы, который духовно обогащает человека. Такой диалог всегда оставляет внутри особенно вдохновенный отпечаток, являясь источником творческий сил. Рисуя на пленэре, необходимо перенести в этюд состояние природы, царившее в это время. Фотография может частично передать нужные цвета, воздушную перспективу, но что-то живое, чем был наполнен этот миг, будет отсутствовать. Рисуя по фотографии, нельзя полноценно ощутить настроение, дыхание момента, игру света и тени, движение жизни того самого запечатленного времени. Именно поэтому очень часто пленэрные этюды получаются особенно живые, с характером переданной атмосферы.

Я очень люблю пленэрную практику именно за то, что ты видишь пейзаж не только глазами. Ты слышишь шёпот листьев и шум воды, чувствуешь ещё что-то незримое, окутывающее все вокруг. И эти ощущения переносятся через кисть и краски на холст или бумагу.

Этюды

Одна из главных задач этюдов - передача состояния, концентрация первого впечатления от натуры. Ограничение времени определяет специфику этюда. Необходимо создать художественный образ, сформировать представление о натуре, используя минимум изобразительных и композиционных средств, не вдаваясь в излишнюю подробность, а направляя вектор внимания на главное. Этюды являются очень полезным упражнением. При их выполнении у художника активно формируется навык запоминания, воспроизведения цветового образа и развитие кратковременной зрительной памяти. Умение передавать цветовой образ-состояние очень важно для эмоциональной выразительности картины. Именно систематическое выполнение этюдов позволяет верно находить и передавать через краски колористический образ натуры.

Выбор сюжета

В качестве натуры для этюдов может быть использовано что угодно из всего многообразия окружающего мира: пейзажные мотивы, городские улицы, натюрморты на открытом воздухе и много другое. Самое главное, чтобы выбранный мотив откликался именно вам, не оставлял равнодушным, цепляя какой-то своей особенностью, которая для других на первый взгляд возможно не очевидна. Когда у вас при взгляде на натуру горят глаза и рукам не терпится взяться за краски – выбор сделан правильно. Необходимо лишь найти оптимальную точку зрения на выбранный сюжет, которая бы помогла увидеть самое главное и характерное в натуре. Верно подобранный формат, так же поможет вам подчеркнуть особенность мотива. Для кратковременных этюдов лучше выбирать простые сюжеты с небольшим количеством входящих в них объектов. Это поможет вам избежать ухода в излишнюю детализацию, которая не всегда положительно влияет на цельность этюда. Если ваша пленэрная практика еще не богата, то не следует сразу приниматься за городские панорамы, а лучше начать с простых природных мотивов. Даже отношения неба и чистого поля, уходящего до горизонта, могут быть крайне интересными, особенно для решения колористических задач. Такие сюжеты будут идеальными для выполнения кратковременных этюдов. Они помогут нарастить опыт и уверенность, необходимые для выполнения более сложных задач.

Техника выполнения и живописные приемы

Любой художественный материал может быть использован на пленэре - здесь нет ограничений. Самое главное, чтобы выбранный материал был вам хорошо знаком, потому что в полевых условиях не будет возможности детально изучать свойства и поведение материала. После выбора сюжета необходимо внимательно проанализировать цветовые и тональные отношения всех составляющих в нем. В ходе работы необходимо постоянно сравнивать результат по цветы и тону с натурой. Чтобы вернее уловить разницу в тоне, нужно чаще прищуриваться, глядя на натуру, затем на работу. Сравнивая цвета, нужно постоянно задавать себе вопросы о том, какой цвет холоднее, какой теплее и на сколько, какие оттенки присутствуют еще в этом цвете? Такой постоянный сравнительный анализ поможет вам создать нужную атмосферу на картине, правильно передать настроение окружающей среды. Каждому состоянию природы характерны свои цветовые и тональные отношения – если они найдены верно, то этюд будет передавать нужное состояние. Например, утреннее солнце будет освещать предметы розово-желтым оттенком, превращая тени в сине-лиловые.

Ход работы над этюдом необходимо выстраивать по принципу «от общего к частному». То есть сперва решаются основные массы, работа ведется крупными пятнами, используются широкие кисти. И лишь в конце уделяется время более детальной проработке. Долгое время на пленэре у меня была такая проблема, как «копание в деталях» - не успев проложить общие массы, я старательно вырисовывала травинки, удивляясь, почему за три часа я не успела сделать этюд. Эта проблема решилась тем, что на первом этапе я стала брать только крупные кисти, постоянно напоминая себе о том, что первостепенно. Детали же оставляю напоследок, отдавая им роль акцентов, обогащающих картину. Не нужно путать этюд и длительную, многосеансовую работу в мастерской, стараясь проработать этюд до степени совершенства, или абсолютно не нужной фотографической точности. Выполнение этюдов имеет свои задачи и логику. Главное здесь – передача впечатления, цветовой гаммы, настроения, которое пронизывало окружающий мир в данный момент. Каким именно техническим приемом выполнять этюд может подсказать вам сама натура при внимательном её изучении. Зачастую она может диктовать способ наложения краски, характер мазков - будет это гладкая заливка или густые мазки, оставляющие фактуру кисти, вы поймете, уловив характер того, что перед глазами. Очень живым и интересным выглядит этюд, в котором скомбинированы разные приемы письма, поэтому я советую в рамках одной работы экспериментировать, делая красочный слой разнообразным по фактуре и технике наложения краски. Для исполнения этой задачи вам также помогут разнообразные по форме и ворсу кисти, каждая из которых будет оставлять свой характерный след. Не пренебрегайте такими инструментами как тряпочки и пальцы, они могут создавать потрясающие эффекты, если вы работаете маслом или пастелью. Все эти технические моменты должны быть для вас помощниками в создании художественного образа.

Воспоминания, которые я увожу с собой с пленэра, спрятаны в мазках краски. Так они не исчезнут, не растворятся в глубине памяти. Рисуя, художник не механически переносит увиденное на холст или лист, а незримо соединяется с сюжетом, запоминая каждую подробность, на мгновение становясь тем самым, что вокруг него - то бурным течением реки, то трепещущим голубым небом или душистой былинкой. Проходит время, но увиденное и запечатлённое легко возникает перед внутренним взором во всех мельчайших подробностях. Можно даже вновь почувствовать восточный ветер и жужжание шмеля. Рисуйте то, на что радостно, волнующе, небезразлично откликается в сердце! Ведь настроение сюжета незримо останется у вас внутри.