Pleno ar -(Francês - ar livre) - um termo que denota a transferência na imagem de toda a riqueza das mudanças de cor devido à exposição à luz solar e à atmosfera circundante.

A pintura ao ar livre desenvolveu-se como resultado do trabalho de artistas ao ar livre (e não no estúdio), com base no estudo direto da natureza à luz natural, com o objetivo de reproduzir o mais plenamente possível sua aparência real. Alguns momentos que antecipam o surgimento da pintura ao ar livre podem ser rastreados na obra dos mestres do Renascimento italiano e dos artistas do século XVII.

No entanto, em essência, os princípios da pintura ao ar livre se difundiram na primeira metade do século XIX. (J. Constable - Grã-Bretanha, A.A. Ivanov - Rússia). A personificação mais completa dos princípios do plein air foi encontrada no 2º tempo. século 19 (o termo começa a ser amplamente utilizado) nas obras dos mestres do impressionismo - C. Monet, C. Pissarro, O. Renoir e outros, bem como na pintura de paisagem russa do 2º andar. 19º. século 20 (V.D. Polenov, I.I. Levitan, V.A. Serov, K.A. Korovin, I.E. Grabar).

Refira-se que, ao sair do atelier ao ar livre, o próprio artista encontra-se em condições especiais. Afinal, os reflexos também penetram em sua paleta e esboço, o que dificulta muito a busca por uma cor confiável.

Isso deve ser levado em consideração ao escolher um local para trabalhar ao ar livre. Na impossibilidade de encontrar um abrigo confiável, os artistas levam consigo um guarda-chuva especial que os protege dos reflexos do céu azul e dos raios solares.

As extensões incomuns do espaço representado, a abundância de luz, a grande distância dos objetos naturais dos olhos do observador, as novas condições de trabalho costumam cativar e ao mesmo tempo assustar o pintor novato que primeiro se envolveu em esboços de paisagens. A princípio, é difícil captar a profundidade do espaço com um olhar, ver as cores dos objetos e objetos que foram alterados pela distância, força e estado de iluminação. As dificuldades das primeiras experiências ao ar livre são agravadas pela rápida mudança de iluminação (seja o sol forte ou as sombras que vêm correndo das nuvens), as diferentes condições climáticas durante o dia (manhã, tarde, noite) ou em diferentes épocas do ano.

A transferência de relações de cores de objetos naturais, levando em consideração o tom e o estado de cor da iluminação, é a base da pintura de paisagem. É necessário decidir a base de cores sobre a qual, no processo de escrita de um estudo, são construídas relações específicas entre os detalhes da paisagem.

Dispositivo para trabalhar no ar. Para armazenar e transferir tintas, pincéis, paletas, você precisa comprar ou fazer uma caixa de madeira chamada caderno de esboços. Os cadernos de esboços são de dois tipos (Fig. 100): para aquarela - uma caixa de madeira leve e plana com paleta de acrilato, cassetes para misturas de tintas e outros acessórios; ou "combinar" - um caderno de esboços universal com pernas deslizantes, que pode ser usado para trabalhos ao ar livre (ao ar livre) e para trabalhos na oficina.

Uma cadeira leve dobrável também será útil para trabalhar na natureza, pois nem sempre é necessário trabalhar em pé. Ter uma cadeira portátil facilita a organização do seu local de trabalho. Se desejar, você mesmo pode fazer um dispositivo para trabalhar ao ar livre: pastas e bolsas costuradas em tela com bolsos para tintas, pincéis, frascos de água e outras coisas.

Ao iniciar um estudo paisagístico, deve-se antes de mais nada cuidar da escolha do melhor ponto de observação a partir do qual toda a futura paisagem é percebida como um todo, parece expressiva quando os planos espaciais são claramente definidos. Se na composição do estudo queremos mostrar as árvores como um todo, devemos estar a uma distância suficiente delas (pelo menos dois ou três tamanhos do objeto de imagem no lado maior).

Um visor de moldura recortado em papel o ajudará a encontrar uma solução composicional de acordo com a ideia e a tarefa específica. Para que o estudo seja bem composto, é preciso focar apenas no que constitui a base, o enredo principal da imagem, abandonando tudo o que é secundário e fica fora do enquadramento do visor.

Uma das principais tarefas de composição é determinar desde o início grandes proporções de terra e céu no plano do estudo. Todos os elementos da paisagem no futuro serão construídos em função da posição da linha do horizonte (localizada ao nível dos nossos olhos). O horizonte não deve dividir o plano de imagem por uma linha horizontal em duas partes iguais. O estudo parece mais interessante quando mostra mais céu ou mais terra, e não sua igualdade proporcional. A simetria torna a composição inexpressiva e enfadonha.

Relações de cores entre objetos individuais, áreas e planos de natureza visível, a transmissão correta do estado geral de cor da natureza depende da iluminação. A iluminação em uma paisagem (em um dia ensolarado e claro - cores brilhantes e claras da paleta, em um dia nublado - cores escuras e pouco saturadas) determina em grande parte o sucesso da construção de um esboço de paisagem emocionalmente expressivo. A solução de grandes proporções de cores deve necessariamente ser realizada levando em consideração as diferentes condições de iluminação, diurna, noturna, etc.

Na fase inicial do treinamento, é necessário aprender a sentir o papel da perspectiva aérea e da iluminação (por exemplo, os troncos de bétula ao pôr do sol são pintados em tons de vermelho-alaranjado), desenvolver a capacidade de perceber cores não objetivas, mas devidas à iluminação e à distância, ou seja, mudou, as cores dos itens.

Na natureza, onde as cores dos objetos mudam em função da iluminação, é necessário determinar os limites dentro dos quais as relações de cores devem ser construídas. Se, por inexperiência, você não definir tais parâmetros, terá que reescrever o esboço que iniciou o tempo todo, por exemplo, se o tempo ensolarado mudou para nublado.

Trabalhando ao ar livre, deve-se estabelecer uma diferença proporcional nas cores, uma mudança de perspectiva na cor condicionada em diferentes planos, mantendo-os simultaneamente no campo de visão (o primeiro é próximo, o do meio é o segundo e o longe um está de volta). Embora os objetos da paisagem estejam localizados em planos diferentes, eles podem ser comparados e as relações existentes entre eles podem ser estabelecidas. Por exemplo, a grama verde no primeiro plano é percebida como um tom mais quente do que a mesma grama no meio e ainda mais no fundo.

Num esboço paisagístico, é necessário começar a escrever pelo todo, e não pelos detalhes, seguindo o princípio: do geral aos detalhes, com posterior generalização. Primeiro, são colocados pontos de cores gerais e, depois, quando grandes relações de cores são estabelecidas, eles procedem à elaboração dos detalhes. Nos primeiros esboços curtos ao ar livre (com duração de 30 minutos a uma hora), o desenhista se propõe uma tarefa específica: desenvolver um método de trabalhar as relações de cores com a integridade da percepção da natureza. Nesses esboços, são construídas relações entre a cor do céu, a terra, os planos frontal, médio e distante. É útil no início escolher motivos com um espaço fechado limitado como enredo (por exemplo, um pátio com sua vegetação e parte dos edifícios).

Se você concluiu a tarefa com sucesso, pode passar para espaços mais abertos com vários planos (por exemplo, uma margem de rio com um primeiro plano claramente definido - uma árvore, arbusto, prédio etc.). Para completar o segundo tipo de estudo, são atribuídas 2 a 3 horas. Aqui, além da tarefa principal, que é transmitir as principais relações de cores, levando em consideração a perspectiva aérea e o estado da iluminação, será necessário dar uma solução espacial e elaborar os detalhes do primeiro plano. Determinando o estado de cor da paisagem, você precisa encontrar a relação básica entre a cor do céu, terra, água, bem como massas generalizadas de vegetação (estrutura).

Decidida a composição do futuro estudo no esboço inicial, delineamos na folha de trabalho com um lápis ou imediatamente com um pincel as partes principais do motivo paisagístico e as proporções das grandes massas. Especificamos a localização de elementos individuais da paisagem de acordo com os planos espaciais dentro dos quais eles estão localizados, na subpintura em uma cor. Com o uso do claro-escuro, geralmente determinamos as principais relações tonais de grandes partes da paisagem.

Em seguida, passamos a trabalhar em cores, levando em consideração a iluminação geral: o sol da manhã dá a estrutura geral de cores da paisagem, incluindo todos os objetos da imagem, uma tonalidade amarelo-rosa bem percebida, o sol diurno dourado, tons alaranjados ou avermelhados. A luz suave e difusa de um dia nublado revela, acima de tudo, a cor temática (intrínseca) dos objetos na imagem.

Na representação do espaço em uma paisagem, um papel importante é desempenhado pela elaboração da forma de objetos pitorescos localizados em vários planos espaciais. Para transmitir profundidade em uma paisagem, as formas dos objetos ou objetos em primeiro plano são mais especificamente prescritas. Em primeiro plano, as próprias cores dos objetos aparecem com mais clareza, aqui parecem mais volumosas, mais ricas, com claro-escuro contrastante. Ao resolver planos de longo alcance, deve-se levar em consideração as leis da perspectiva aérea. À medida que se afastam do observador, as formas dos objetos perdem volume e adquirem um caráter de silhueta simplificado, sua saturação enfraquece - as cores ficam condicionadas pelo ambiente aéreo e dependem do grau de distância do observador.

Com o aumento da habilidade, torna-se possível enriquecer a paleta com cores extremamente ricas da natureza, cores matizadas do mundo vegetal, transmitindo uma grande variedade de humores.

Quanto à preparação para o trabalho ao ar livre, é importante prever, à primeira vista, detalhes pouco importantes.

Portanto, você não deve usar roupas saturadas de cores em um dia ensolarado - isso atrapalhará, pois lançará reflexos de cores fortes na paleta e no plano da imagem. Se você estiver sentado à sombra das árvores, lembre-se de que o brilho verde da folhagem afetará seu trabalho. Para não ser ofuscado pelos raios do sol, é melhor escrever sob a proteção da cor local do guarda-chuva ou usar toucado com viseira. Indo para esboços, pegue tinta com margem, principalmente para paisagens, em cujo motivo estão a terra, a água e o céu. Se você conseguir escolher três cores primárias entre as tintas disponíveis e na quantidade certa, elas ajudarão a estabelecer a unidade de cores da paisagem e evitarão sobrecolorir o estudo. Ao trabalhar com aquarela, tome cuidado com o abastecimento de água no frasco.

Você pode trabalhar na paisagem em qualquer época do ano.

fr. ar livre, iluminado. - ar livre) - 1) o trabalho do artista da natureza diretamente ao ar livre, levando em consideração os fenômenos do ar e da luz; 2) pintura ao ar livre (fora da oficina), associada ao estudo dos efeitos do ar livre. O termo é geralmente usado em relação a qualquer imagem ao ar livre.

ótima definição

Definição incompleta ↓

PLENAIR

Francês plein air - ar livre), pintura criada na natureza, ao ar livre. Somente trabalhando ao ar livre, pode-se transmitir de forma vívida e completa as características da iluminação natural e do ambiente leve. Mesmo no começo século 19 o artista inglês D. Constable pintou esboços de paisagens da natureza, tentando transmitir neles as mudanças no clima e na atmosfera, mas os quadros foram pintados no estúdio. Tudo está. século 19 os mestres da escola de Barbizon e C. Corot trabalharam ao ar livre.

Os impressionistas franceses (C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley e outros) realmente descobriram a pintura ao ar livre. Em 1891, K. Monet entra na competição ao ar livre com a natureza. Ele cria uma série de choupos nas margens do rio Epte, trabalhando simultaneamente em vários cavaletes, tentando capturar tons de cor e iluminação que mudam constantemente dependendo da hora do dia e do clima. O artista pinta quadros-estudos, competindo em velocidade com a própria luz: árvores frágeis tremendo na névoa dourada da manhã e erguendo-se ameaçadoramente contra o pano de fundo dos flashes do céu poente.

Na Rússia, no segundo tempo. 19 - implore. século 20 V. A. Serov, V. D. Polenov, I. I. Levitan, K. A. Korovin, I. E. Grabar e muitos outros trabalharam ao ar livre... Levitan capturou na pintura "Março" o alegre despertar da natureza do sono de inverno. Sombras azuis, lilases e roxas jazem na neve porosa de março. Trabalhando ao ar livre, a artista viu e mostrou ao público que à luz do sol forte as sombras perdem sua cor escura entediante. O céu azul da primavera e o sol forte os pintam com cores festivas. Reflexos (reflexos de cores) da luz refletida e cores penetram nas sombras dos montes de neve, deitam-se com reflexos suaves na neve perto da varanda.

Neste artigo sobre foto ao ar livre Vou tentar desmascarar alguns dos mitos associados às técnicas de filmagem ao ar livre. Vou definir o conceito de "plein air". Então descobriremos de uma vez por todas a grafia correta desta palavra. Você aprenderá como escolher a hora, o local e o ângulo preferido. E vale a pena "vaporizar" sobre o clima?

Ar puro ou ar puro?

Que tipo de clima será o mais “correto” para trabalhar ao ar livre? Provavelmente seria melhor tirar fotos sob um pouco de nebulosidade com vislumbres do sol - não muito claro, mas também não nublado. Em tais condições, obtemos contraste suficiente e fotos brilhantes. No entanto, eu não argumentaria tão categoricamente que é impossível fazer outros de alta qualidade sob a luz do sol ou em um dia nublado. Muito neste caso depende do local de filmagem e do equipamento adicional utilizado.

Foto ao ar livre. Quando atirar?

Claro, concordo que de manhã cedo e à noite antes do pôr do sol são as condições mais bem-sucedidas para fotografar e paisagem Mesmo. Mas você não deve confiar tanto em uma hora específica do dia, porque em diferentes latitudes, em diferentes cidades, tudo muda. Coisas como o tempo de filmagem são muito subjetivas e o clima é mutável. E nem todo cliente está pronto para acordar às cinco ou seis da manhã "pelo bem da arte". Além disso, eu mesmo não estou pronto. 🙂

Entre os entusiastas da fotografia novatos, existe a opinião de que tiro contra o sol errado, errado, etc Vou tomar a liberdade de destruir esse mito. Para sua informação, muitos fotógrafos em um dia ensolarado preferem esse ângulo. E há duas razões para isso.

Em primeiro lugar, fotografar contra o sol é melhor do que espetar fósforos nos olhos da modelo, que se estreitarão com os raios ofuscantes. As sombras no rosto e nas roupas serão extremamente profundas. A situação pode ser corrigida em photoshop, mas ... este não é o nosso método. 🙂

O próximo benefício de fotografar contra o sol é obter luz de fundo, separando vantajosamente o modelo do fundo envolvente. Esta foto parece mais profissional. Usando adicionalmente ou um refletor, resultados surpreendentes são alcançados.

A natureza não precisa ser copiada, mas é preciso sentir sua essência e livrá-la dos acidentes.

Isaac Levitan

Nem todos, é claro, mas muitos viram pessoas saindo da vida nos lugares mais aparentemente inesperados e nas posições mais desconfortáveis ​​- sentadas em cafés e na rua, curvadas em meio-fio ou degraus de escadas da cidade. Ou confortavelmente localizados com seus equipamentos nas margens das estradas rurais e nos campos, nas bordas das florestas e encostas das montanhas, nas curvas dos rios e à beira-mar ...

E sempre esses desenhos (a lápis e carvão, delineador e sangüíneo) e a escrita (a óleo, aquarela e guache) chamam a atenção dos transeuntes ambulantes e apressados. Como? Um milagre saindo da mão de um desenhista, da mão de um artista.

A criatividade é sempre incrível. Combinando habilidade e inspiração, conhecimento preciso e impulso interior, emoções. E isso é feito de maneiras diferentes - em uma oficina separada e em um estúdio comum, em casa e na natureza.

Portanto, esse trabalho ao ar livre é ao ar livre.

Alguns de nossos contemporâneos pensam que nestes dias de vitória final das imagens digitais, os paisagistas trabalham exclusivamente a partir de fotografias. Bem, é conveniente e você não precisa se queimar sob o sol escaldante, congelar em fortes geadas, molhar-se na chuva ... Bem, existem esses artistas, existem essas técnicas. Mas não é para isso que vive o pintor de paisagens! Afinal, a precisão excepcional da transmissão da natureza por meio da fotografia ainda não é arte da pintura e, de certa forma, carece da abordagem do autor. A arte fotográfica transmite volume e uma sensação de espaço por meios completamente diferentes, constrói cores e detalhes de uma maneira diferente. O excesso de detalhes às vezes dificulta a visualização do principal.

Além disso, mesmo a menor oficina ou estúdio de pintura sempre tem seu próprio ambiente especial, construído com a ajuda de iluminação lateral e / ou artificial. Na natureza nem tudo é assim, a céu aberto a luz envolve os objetos de todos os lados ao mesmo tempo, mudando tanto o tom quanto mais ainda a cor! Parece, por que sofrer tanto, porque você pode fotografar a paisagem e desenhar todas as casas. Mas nem tudo é tão simples. Qualquer artista responderá que as pinturas tiradas de uma fotografia plana parecerão planas. Mas a tarefa do artista é criar uma sensação de espaço, transmitir um certo espírito do lugar, sua impressão vívida e charme. Para resolver esse problema, existe um ar livre, que envolve desenhar na natureza. Portanto, apesar de certos inconvenientes, nem um único mestre digno recusará a oportunidade de criar na natureza. Além disso, tudo pode ser objeto de criatividade: plantas e paisagens, esboços urbanos, naturezas mortas e retratos ao ar livre, panoramas de cidades e edifícios individuais, o céu e muito mais que o olhar atento e admirador do artista verá. Mas o gênero principal, claro, continua sendo a paisagem em toda a sua diversidade.

O dicionário nos informa:

ar puro - fr. (lit. - ao ar livre) - o trabalho do artista da natureza diretamente sob o céu aberto, levando em consideração os fenômenos do ar e da luz.

A Grande Enciclopédia Russa define o conceito desejado desta forma:

Plein air é a transferência na pintura de mudanças e gradações da cor dos objetos representados, devido à influência da luz solar da atmosfera circundante.

A pintura ao ar livre desenvolveu-se como resultado do trabalho de artistas ao ar livre (e não no estúdio) com base no estudo da natureza em luz natural. O objeto de sua atenção especial são os reflexos da cor e da luz, as mais sutis modulações de cor que mudam dependendo das condições naturais, da estação ou da hora do dia. Transmissão de perspectiva "ar", a imagem de sombras transparentes.

As origens da pintura ao ar livre (cores claras, cores puras, sensação de ambiente leve, etc.) podem ser encontradas na obra de alguns mestres renascentistas (Pietro de la Francesca, van der Goes) e artistas do século XVII - Séculos XVIII. (paisagens de Velasquez, J. Vermeer, o Little Dutch e outros. No entanto, o início do plein airism como sistema de técnicas de pintura está associado ao trabalho de artistas da primeira metade do século XIX (R. Bonington e J . Constable na Grã-Bretanha, Sylvester F. Shchedrin e A.A. Ivanov na Rússia). Os adeptos do plein air eram os mestres da chamada "escola de Barbizon", assim como C. Corot. Os princípios do plein air eram os mais totalmente incorporado na obra dos mestres do impressionismo francês - C. Monet, C. Pissarro, O. Renoir, A. Sisley. foi então que o termo "plein air" se espalhou. Mais tarde, tornou-se difundido em todos os países da o mundo. Na pintura de paisagem russa, o plein air foi muito usado por V. D. Polenov, I. I. Levitan, V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar e outros.

Desde então, todas as gerações de artistas trabalham ao ar livre, transferindo cuidadosamente os métodos e técnicas de transferência de detalhes de imagens dos mais antigos para os mais jovens. Como antes, hoje plein-airs para artistas é outra oportunidade de obter novas impressões estéticas, melhorar sua técnica, capturar a beleza mutável de um dia fugaz, transferindo-a para a tela. O principal é aprender a desenhar rapidamente, antes que a luz mude.

Na maioria das vezes, esboços e esboços são criados ao ar livre, e não pinturas concluídas. Para muitos artistas, o plein air não é a direção principal da criatividade, mas apenas uma etapa importante na criação de uma obra completa. É aqui, em obras curtas - estudos, às vezes de tamanhos minúsculos, que eles captam as relações únicas de cor e tom, transmitem o que há de mais importante para este lugar e tempo, que mais tarde formarão a base de uma reflexão séria de longo prazo processo de pintar um quadro.

Desenhar ao ar livre é tecnicamente mais difícil do que no estúdio. O clima pode mudar a qualquer momento - acontece que o vento sopra materiais de arte, os insetos interferem e o sol muda rapidamente de posição no céu, mudando drasticamente a iluminação. Além disso, o próprio artista se encontra em condições inusitadas. Agora, tanto a luz do sol quanto os reflexos do céu caem em sua paleta e esboço, o que complica a tarefa de encontrar a cor certa. Isso deve ser levado em consideração ao escolher locais para trabalhos ao ar livre. É aconselhável esconder-se da luz solar direta e dos reflexos azul-celeste e, quando não se espera abrigos naturais, ajuda um guarda-chuva (geralmente feito de tecido leve, mas bastante denso).

Outra dificuldade para iniciantes é a vastidão do espaço, que dá abundância de luz, profundidade de perspectiva e distância dos objetos representados dos olhos do observador. Junto com as novas condições de trabalho, torna-se necessário olhar para um grande espaço ao mesmo tempo, para ver corretamente as cores em conexão com a cor e a perspectiva tonal. Esta é uma tarefa difícil que fascina e intimida os iniciantes.

O trabalho ao ar livre, como qualquer outro trabalho em uma obra de arte, inclui a solução de tarefas criativas, composicionais, tonais e coloridas. Além disso, existe uma certa sequência de trabalho de acordo com os princípios: do geral ao particular, do grande ao detalhe, do principal ao secundário. De curto prazo (de 30 minutos a uma hora) e pequenos, passando para estudos mais longos (2-3 horas) e maiores. A princípio, o visor ajuda a decidir a composição - uma moldura de papel com um retângulo recortado no meio. Ela, junto com um caderno de esboços (cujas versões você pode ver em lojas online e em salões de produtos para artistas) ou um tripé de cavalete dobrável plein air, um conjunto de tintas, uma paleta e uma cadeira dobrável, forma a base do plein equipamento de ar. Você mesmo pode fazer algumas das coisas auxiliares: por exemplo, pastas, sacolas especiais ou mochilas costuradas em tecido grosso com bolsos e compartimentos para papel, tintas, pincéis, espátulas, garrafa plástica de água e outras coisas.

Então, indo ao ar livre, lembremos mais uma vez que é importante não perdê-lo de vista. Além das taxas básicas, é necessário fornecer detalhes insignificantes à primeira vista. Por exemplo, você não precisa usar roupas saturadas de cores, porque. ele lançará fortes reflexos de cores no plano e na paleta da imagem. Ao se instalar à sombra de árvores de folha caduca, leve em consideração o reflexo verde que afetará o trabalho. Para evitar o brilho do sol, leve consigo um guarda-chuva ou um boné com viseira. Ao sair para estudar, leve tinta com margem, principalmente para motivos com grandes proporções céu-água-terra. Com o trabalho adequado, 3-4 lotes ajudarão a estabelecer a unidade de cor e evitar a coloração excessiva do trabalho. Lembre-se de cuidar do abastecimento de água ao trabalhar com aquarelas. Vista-se para o clima.

Resumindo, digamos que a prática ao ar livre esteja incluída no programa de todas as instituições de ensino que formam artistas de vários perfis - artistas de cavalete e aplicados, escultores e arquitetos, artistas de teatro e cinema.

Alunos de escolas e ateliês de arte, crianças e adultos, profissionais e amadores, "experientes" e iniciantes vão ao ar livre.

Afinal, a felicidade de estar envolvida no milagre da criatividade, assim como das habilidades e do verdadeiro talento, vem de cima. E o ar livre, entre outras coisas, dá a alegria de se comunicar com a natureza, com pessoas afins, dá a oportunidade de aprender coisas novas. E isso é bom.

ART-KAFABELLA Dachas criativas na Crimeia.

De Boilier

Desenhar da natureza é sempre um treinamento criativo profissional. Durante este treinamento, nossos olhos, cérebro e mãos são desenvolvidos ativamente. Com os olhos treinamos o processo de percepção. O cérebro é responsável pelo processo de abstração e pensamento visual - ao extrair da natureza, contribuímos para o seu desenvolvimento nesta área. A mão, neste momento, desenvolve a habilidade de trabalhar com o material, aprende a fazer uma imagem no plano pictórico de forma mais qualitativa e técnica. Portanto, o fato de que extrair a natureza da natureza aumenta dramaticamente o nível de habilidade criativa é inegável. Neste artigo, quero falar sobre como os plein airs são úteis para os artistas, sobre a escolha do enredo e os principais métodos técnicos dos esboços de campo. Compartilho meus pequenos truques para tornar a pintura ao ar livre mais agradável e confortável em meu outro artigo:

Benefícios da prática ao ar livre

Desenhar da natureza é sempre um treinamento criativo profissional. Nesse processo, muitas das habilidades necessárias para a atividade artística são desenvolvidas ativamente. As aulas ao ar livre contribuem efetivamente para a fixação do olho e da mão, desenvolvem o pensamento visual e a memória figurativa. Pode-se falar sem parar sobre os benefícios de desenhar da vida - o conhecimento artístico é enriquecido, o processo de trabalho com o material é aprimorado, o senso de cor atinge um novo nível. Ao ar livre, o artista não copia sem pensar o que vê, mas realiza atividades ativas de pesquisa, estudando cuidadosamente o mundo ao seu redor, percebendo as mudanças mais sutis nele. Graças a esta prática, há uma visão completamente nova das cores, das formas, de todo o espaço ao redor. Uma variedade de tons se abre diante dos olhos, e agora vermelho, roxo, azul já se encontram no verde usual ... A tarefa do artista é contar corretamente sobre isso em sua obra, retratando o que viu como era no momento .

Mas entre esse benefício prático inestimável, há outro componente invisível e importante da prática ao ar livre - é o contato próximo com o mundo da vida selvagem, que enriquece espiritualmente uma pessoa. Tal diálogo sempre deixa uma marca particularmente inspiradora no interior, sendo uma fonte de forças criativas. Ao desenhar ao ar livre, é necessário transferir para o esboço o estado de natureza que prevalecia na época. Uma fotografia pode transmitir parcialmente as cores desejadas, uma perspectiva aérea, mas algo vivo que preencheu esse momento estará ausente. Desenhando a partir de uma fotografia, não se pode sentir totalmente o clima, a respiração do momento, o jogo de luz e sombra, o movimento da vida daquele tempo muito capturado. É por isso que muitas vezes os esboços ao ar livre acabam sendo especialmente vivos, com o caráter da atmosfera transferida.

Eu amo muito a prática ao ar livre porque você vê a paisagem não apenas com os olhos. Você ouve o sussurro das folhas e o som da água, sente algo mais invisível envolvendo tudo ao seu redor. E essas sensações são transferidas por meio de pincel e tintas para tela ou papel.

Estudos

Uma das principais tarefas dos esboços é a transferência de estado, a concentração da primeira impressão da natureza. O limite de tempo determina as especificidades do estudo. É necessário criar uma imagem artística, formar uma ideia da natureza, utilizando um mínimo de meios visuais e compositivos, sem entrar em muitos detalhes, mas direcionando o vetor de atenção para o principal. Os estudos são um exercício muito útil. Ao executá-los, o artista desenvolve ativamente a habilidade de memorização, a reprodução de uma imagem colorida e o desenvolvimento da memória visual de curto prazo. A capacidade de transmitir um estado de imagem colorida é muito importante para a expressividade emocional de uma imagem. É a execução sistemática de esboços que permite encontrar e transmitir corretamente a imagem colorida da natureza por meio de tintas.

Seleção de cena

Qualquer coisa de toda a variedade do mundo circundante pode ser usada como natureza para esboços: motivos paisagísticos, ruas da cidade, naturezas mortas ao ar livre e muito mais. O mais importante é que o motivo escolhido responda especificamente a você, não o deixe indiferente, captando algumas de suas características, que podem não ser óbvias para outras pessoas à primeira vista. Quando seus olhos brilham ao olhar a natureza e suas mãos não veem a hora de pegar nas tintas, a escolha foi acertada. Só é necessário encontrar o ponto de vista ideal no enredo escolhido, o que ajudaria a ver o que há de mais importante e característico na natureza. Um formato bem escolhido também ajudará a enfatizar a peculiaridade do motivo. Para esboços de curto prazo, é melhor escolher gráficos simples com um pequeno número de objetos incluídos neles. Isso ajudará você a evitar detalhes excessivos, o que nem sempre tem um efeito positivo na integridade do esboço. Se a sua prática ao ar livre ainda não é rica, você não deve assumir imediatamente os panoramas da cidade, mas é melhor começar com motivos naturais simples. Mesmo a relação entre o céu e um campo claro que se estende até o horizonte pode ser extremamente interessante, principalmente para resolver problemas de cor. Esses gráficos serão ideais para a realização de estudos de curto prazo. Eles o ajudarão a adquirir a experiência e a confiança necessárias para assumir tarefas mais complexas.

Técnica e técnicas de pintura

Qualquer material de arte pode ser usado ao ar livre - não há restrições. O mais importante é que o material selecionado seja familiar para você, pois em campo não será possível estudar detalhadamente as propriedades e o comportamento do material. Depois de escolher uma trama, é necessário analisar cuidadosamente as relações de cores e tons de todos os componentes dela. No decorrer do trabalho, é necessário comparar constantemente o resultado em termos de cores e tons com a natureza. Para captar com mais precisão a diferença de tom, você precisa apertar os olhos com mais frequência, olhando para a natureza e depois para o trabalho. Comparando cores, você precisa se perguntar constantemente qual cor é mais fria, qual é mais quente e quanto, quais tons ainda estão presentes nessa cor? Essa análise comparativa constante ajudará você a criar a atmosfera certa na imagem, transmitindo corretamente o clima do ambiente. Cada estado da natureza tem sua própria cor e relações tonais - se forem encontrados corretamente, o esboço transmitirá o estado desejado. Por exemplo, o sol da manhã iluminará os objetos com uma tonalidade amarelo-rosada, transformando as sombras em roxo-azulado.

O curso do trabalho no esboço deve ser construído de acordo com o princípio “do geral ao particular”. Ou seja, primeiro são resolvidas as massas principais, o trabalho é feito em grandes manchas, são utilizadas escovas largas. E só no final é dado tempo para um estudo mais detalhado. Por muito tempo ao ar livre, tive o problema de “cavar nos detalhes” - não tendo tempo para colocar as massas gerais, desenhei diligentemente folhas de grama, me perguntando por que não tive tempo de fazer um esboço em três horas. Esse problema foi resolvido pelo fato de que na primeira etapa comecei a pegar apenas pincéis grandes, lembrando-me constantemente do que é fundamental. Deixo os detalhes para o final, dando-lhes o papel de acentos que enriquecem a imagem. Não há necessidade de confundir um estudo com um longo trabalho de várias sessões na oficina, tentando elaborar o estudo com um grau de perfeição ou precisão fotográfica absolutamente desnecessária. A execução de etudes tem suas próprias tarefas e lógica. O principal aqui é a transferência de impressões, cores, humor que permeou o mundo ao redor no momento. Que tipo de técnica para realizar o estudo pode lhe dizer a própria natureza quando você a estuda cuidadosamente. Freqüentemente, pode ditar a forma como a tinta é aplicada, a natureza dos traços - seja um preenchimento suave ou traços grossos que deixam a textura do pincel, você entenderá captando a natureza do que está diante de seus olhos. O esboço parece muito vivo e interessante, no qual se combinam diferentes métodos de escrita, por isso aconselho experimentar no âmbito de uma obra, fazendo com que a camada de tinta varie em textura e técnica de sobreposição de tinta. Para realizar esta tarefa, você também será auxiliado por pincéis de várias formas e pilhas, cada um dos quais deixará sua marca característica. Não negligencie ferramentas como panos e dedos, eles podem criar efeitos incríveis se você estiver trabalhando com óleos ou pastéis. Todos esses pontos técnicos devem ser seus assistentes na criação de uma imagem artística.

As memórias que levo comigo ao ar livre estão escondidas em pinceladas de tinta. Então eles não vão desaparecer, não vão se dissolver nas profundezas da memória. Ao desenhar, o artista não transfere mecanicamente o que vê para uma tela ou folha, mas se conecta invisivelmente com o enredo, lembrando-se de cada detalhe, tornando-se por um momento exatamente o que está ao seu redor - seja uma corrente tempestuosa de um rio ou um céu azul esvoaçante ou uma folha de grama perfumada. O tempo passa, mas o que é visto e captado facilmente aparece diante do olho interior nos mínimos detalhes. Você pode até sentir o vento leste novamente e o zumbido da abelha. Desenhe o que responde com alegria, entusiasmo e não indiferença no coração! Afinal, o clima da trama ficará invisível dentro de você.